Texts
Exploring Photographic Processes and Emotional Landscapes
editions of liminality
TK
On Skin and Surfaces, September 2023
Skin, in its varied and complex layers, serves as both an interface and a boundary, shielding our internal state while communicating our external identities. It is our most expansive organ, a living canvas that holds traces of our vulnerabilities and engagements with the world.
My work explores the skin of things—both tangible and intangible. From the materiality of photographic negatives to the layers of being, I examine these skins as landscapes of protection and exposure. These surfaces are imbued with stories, secrets, and code, like the pigments of skin that carry their own imprints.
In the realm of photography, the notion of skin extends beyond the organic. It encompasses the material layers of film, the textured grains that capture light and create dark; tactile surfaces that either hide or reveal. In my forays into the color darkroom, a place absent of sight but rich in perception, I see parallels to the lived experience of my father's blindness. Or I don’t see. The experience of navigating through sensory cues rather than visual impressions, of creating in the dark to bring forth light, and often red, is profound.
Skin, in its varied and complex layers, serves as both an interface and a boundary, shielding our internal state while communicating our external identities. It is our most expansive organ, a living canvas that holds traces of our vulnerabilities and engagements with the world.
My work explores the skin of things—both tangible and intangible. From the materiality of photographic negatives to the layers of being, I examine these skins as landscapes of protection and exposure. These surfaces are imbued with stories, secrets, and code, like the pigments of skin that carry their own imprints.
In the realm of photography, the notion of skin extends beyond the organic. It encompasses the material layers of film, the textured grains that capture light and create dark; tactile surfaces that either hide or reveal. In my forays into the color darkroom, a place absent of sight but rich in perception, I see parallels to the lived experience of my father's blindness. Or I don’t see. The experience of navigating through sensory cues rather than visual impressions, of creating in the dark to bring forth light, and often red, is profound.
Ocean and Skins, September 2023
Behold The Ocean explores the act of perceiving, experiencing, and understanding vast and intricate systems—both in the natural world and in the domain of human knowledge. Set against the dramatic backdrop of the Chilean Antarctic region, the project weaves together narratives of vulnerability, scientific discovery, and survival. It not only recounts my own journey as an artist aboard research expeditions but also delves into the existential questions around ocean acidification and the degradation of our planet's largest organism.
Much like the skin serves as a protective yet fragile barrier for the human body, the ocean is Earth's largest organ, vital but vulnerable. Just as the skin reveals its age, its history, its wounds, and its stories, so too does the ocean. The melting glaciers are akin to shedding skin, revealing their hues, their age, their scars. Behold The Ocean can be viewed as an exploration of 'skins,' both as literal surfaces and metaphorical interfaces.
It's an extension of the larger tapestry of my work, where skin is an undercurrent.
In analog photography, negatives are skins: layers of materiality that holds the latent images, waiting to be developed and fixed to reveal its truths, much like the data collected during the expeditions aimed to decode the ocean’s current state. That’s a line of thought about how Behold The Ocean is not merely a standalone work but becomes an integral thread in the fabric of my practice.
Behold The Ocean explores the act of perceiving, experiencing, and understanding vast and intricate systems—both in the natural world and in the domain of human knowledge. Set against the dramatic backdrop of the Chilean Antarctic region, the project weaves together narratives of vulnerability, scientific discovery, and survival. It not only recounts my own journey as an artist aboard research expeditions but also delves into the existential questions around ocean acidification and the degradation of our planet's largest organism.
Much like the skin serves as a protective yet fragile barrier for the human body, the ocean is Earth's largest organ, vital but vulnerable. Just as the skin reveals its age, its history, its wounds, and its stories, so too does the ocean. The melting glaciers are akin to shedding skin, revealing their hues, their age, their scars. Behold The Ocean can be viewed as an exploration of 'skins,' both as literal surfaces and metaphorical interfaces.
It's an extension of the larger tapestry of my work, where skin is an undercurrent.
In analog photography, negatives are skins: layers of materiality that holds the latent images, waiting to be developed and fixed to reveal its truths, much like the data collected during the expeditions aimed to decode the ocean’s current state. That’s a line of thought about how Behold The Ocean is not merely a standalone work but becomes an integral thread in the fabric of my practice.
DELIRIUM, August 2023 (written by Lucas Hagin)
Ein Besuch bei Akosua Viktoria Adu-Sanyah beginnt mit einer herzlichen Begrüssung durch Mingus, ihren Hund. Im lichtdurchfluteten Studio mit sieben Meter hohen Decken sind auf schwarzen Holzrahmen fixierte, grossformatige Abzüge an die Wand gelehnt. Neben Hunderten fein säuberlich in Kartons verpackten Testabzügen, reihen sich Fotopapier-Rollen und Bücher von Audre Lorde und von bell hooks; an den Fenstern kleben handschriftliche Notizen und Skizzen.
Akosua Viktoria Adu-Sanyah arbeitet mit Negativen ihrer eigenen Fotografien und einer Sammlung alter Fotos aus ihrem Familienarchiv. Damit gewährt sie tiefe Einblicke in ihre eigene Biografie, die einerseits durch Konflikte, Widerstände und Trauer, andererseits durch Resilienz, Mut und Experimentierfreude geprägt ist. Ihre Arbeiten sind komplex, poetisch und zeugen von einer schmerzhaften Direktheit und Verletzlichkeit.
Ausgehend von der Dunkelheit des Fotolabors entwickelt die Künstlerin innovative Bildverfahren, die den Rahmen der Fotografie sprengen. Die analoge Fotografie wird ins Digitale übertragen, in eine KI (Künstliche Intelligenz) eingespeist, daraufhin als «KI-Negativ» ins Analoge zurückgeführt und auf schwerem, meterlangem Papier in der Farbdunkelkammer belichtet. Weil jedoch die Dimension des Abzugs den Rahmen des Vergrösserers überschreitet, reicht das Licht nicht aus, um die Ecken des lichtempfindlichen Fotopapiers zu belichten. Um dem entgegenzuwirken, hat sie eine kreative, manuelle Lösung mit einer Taschenlampe entwickelt.
Durch den Zwischenschritt der KI-gestützten Bildgenerierung kreiert Akosua Viktoria Adu-Sanyah mit DELIRIUM zugleich eine Bestandesaufnahme der technischen Entwicklung und reflektiert deren aufgrund von Vorurteilen gesteuerten Logiken und Potenziale. Die KI durfte zum Zeitpunkt der Bildgenerierung laut der Content Policy von OpenAI eigentlich keine menschlichen Gesichter als Bildvorlage zulassen. Wurde versucht, ein solches Porträt hochzuladen, erschien üblicherweise die Warnung «Uploads with realistic faces are not allowed at this time». Offenbar wurde jedoch das Porträt ihres ghanaischen Vaters nicht als «realistisch» erkannt – und ohne Warnhinweis weiterverarbeitet. «Demnach ist klar, dass das Gesicht meines Vaters eben nicht als menschlich erkannt wurde. Und diese Erfahrung spiegelt ganz deutlich den bereits viel besprochenen Racial Bias nicht nur in der AI (Artificial Intelligence), sondern auch ganz allgemein in der Überwachung, im Profiling und der Technologie wider. Darüber wurde schon viel publiziert und es ist eigentlich nichts Neues. Neu beziehungsweise selten ist jedoch, dass es einem so direkt, unverfälscht und objektiv vor Augen geführt wird, wie mir vor einem Jahr», konstatiert Akosua Viktoria Adu-Sanyah. Und obwohl die Emotionen ihres Vaters im Original-Porträt scheinbar verborgen blieben, sticht im neu generierten Bild eine qualvoll verzerrte Mimik hervor. Die Künstlerin erkennt dabei ein Paradox: «Im Falle der Porträts hat die AI den Schmerz meines Vaters aufgedeckt, während mein Vater ebendiesen Schmerz in der Originalfotografie und auch Zeit seines Lebens unterdrückt hat. Dieses Wahrheitsmoment im vermeintlich ‹Künstlichen› – und das alles immer auch unterbaut von ‹Das ist kein Mensch› – und dann trotzdem dieser Ausdruck? Das ist Wahnsinn für mich.»
Akosua Viktoria Adu-Sanyah reizt die Grenzen des technisch Machbaren aus, geht stets neue Wege und wagt sich an ihre eigenen Grenzen heran: Egal ob zwölf Stunden in der Dunkelkammer, über Wochen eingeengt auf einem klapprigen Expeditionsschiff in der chilenischen Antarktis, oder bei der inhaltlichen Auseinandersetzung mit Krankheit, Tod und Trauer: Durch diese Konfrontation – technisch, körperlich und mental – bringt sie Unerwartetes, Ungreifbares und Unaussprechliches zum Vorschein. Es ist ein Prozess des Sichtbarmachens: Statt auszublenden, zu verbergen und zu kaschieren, geht es darum, zu enthüllen, aufzudecken und preiszugeben.
– on the occasion of the exhibition Werkschau Kanton Zürich 2023, Haus Konstruktiv
Lucas Hagin studied art history in Munich, Berlin, and Zurich. He works as a curator and is committed to make museums more accessible through Audio-Cult.
Akosua Viktoria Adu-Sanyah arbeitet mit Negativen ihrer eigenen Fotografien und einer Sammlung alter Fotos aus ihrem Familienarchiv. Damit gewährt sie tiefe Einblicke in ihre eigene Biografie, die einerseits durch Konflikte, Widerstände und Trauer, andererseits durch Resilienz, Mut und Experimentierfreude geprägt ist. Ihre Arbeiten sind komplex, poetisch und zeugen von einer schmerzhaften Direktheit und Verletzlichkeit.
Ausgehend von der Dunkelheit des Fotolabors entwickelt die Künstlerin innovative Bildverfahren, die den Rahmen der Fotografie sprengen. Die analoge Fotografie wird ins Digitale übertragen, in eine KI (Künstliche Intelligenz) eingespeist, daraufhin als «KI-Negativ» ins Analoge zurückgeführt und auf schwerem, meterlangem Papier in der Farbdunkelkammer belichtet. Weil jedoch die Dimension des Abzugs den Rahmen des Vergrösserers überschreitet, reicht das Licht nicht aus, um die Ecken des lichtempfindlichen Fotopapiers zu belichten. Um dem entgegenzuwirken, hat sie eine kreative, manuelle Lösung mit einer Taschenlampe entwickelt.
Durch den Zwischenschritt der KI-gestützten Bildgenerierung kreiert Akosua Viktoria Adu-Sanyah mit DELIRIUM zugleich eine Bestandesaufnahme der technischen Entwicklung und reflektiert deren aufgrund von Vorurteilen gesteuerten Logiken und Potenziale. Die KI durfte zum Zeitpunkt der Bildgenerierung laut der Content Policy von OpenAI eigentlich keine menschlichen Gesichter als Bildvorlage zulassen. Wurde versucht, ein solches Porträt hochzuladen, erschien üblicherweise die Warnung «Uploads with realistic faces are not allowed at this time». Offenbar wurde jedoch das Porträt ihres ghanaischen Vaters nicht als «realistisch» erkannt – und ohne Warnhinweis weiterverarbeitet. «Demnach ist klar, dass das Gesicht meines Vaters eben nicht als menschlich erkannt wurde. Und diese Erfahrung spiegelt ganz deutlich den bereits viel besprochenen Racial Bias nicht nur in der AI (Artificial Intelligence), sondern auch ganz allgemein in der Überwachung, im Profiling und der Technologie wider. Darüber wurde schon viel publiziert und es ist eigentlich nichts Neues. Neu beziehungsweise selten ist jedoch, dass es einem so direkt, unverfälscht und objektiv vor Augen geführt wird, wie mir vor einem Jahr», konstatiert Akosua Viktoria Adu-Sanyah. Und obwohl die Emotionen ihres Vaters im Original-Porträt scheinbar verborgen blieben, sticht im neu generierten Bild eine qualvoll verzerrte Mimik hervor. Die Künstlerin erkennt dabei ein Paradox: «Im Falle der Porträts hat die AI den Schmerz meines Vaters aufgedeckt, während mein Vater ebendiesen Schmerz in der Originalfotografie und auch Zeit seines Lebens unterdrückt hat. Dieses Wahrheitsmoment im vermeintlich ‹Künstlichen› – und das alles immer auch unterbaut von ‹Das ist kein Mensch› – und dann trotzdem dieser Ausdruck? Das ist Wahnsinn für mich.»
Akosua Viktoria Adu-Sanyah reizt die Grenzen des technisch Machbaren aus, geht stets neue Wege und wagt sich an ihre eigenen Grenzen heran: Egal ob zwölf Stunden in der Dunkelkammer, über Wochen eingeengt auf einem klapprigen Expeditionsschiff in der chilenischen Antarktis, oder bei der inhaltlichen Auseinandersetzung mit Krankheit, Tod und Trauer: Durch diese Konfrontation – technisch, körperlich und mental – bringt sie Unerwartetes, Ungreifbares und Unaussprechliches zum Vorschein. Es ist ein Prozess des Sichtbarmachens: Statt auszublenden, zu verbergen und zu kaschieren, geht es darum, zu enthüllen, aufzudecken und preiszugeben.
– on the occasion of the exhibition Werkschau Kanton Zürich 2023, Haus Konstruktiv
Lucas Hagin studied art history in Munich, Berlin, and Zurich. He works as a curator and is committed to make museums more accessible through Audio-Cult.